Каждый человек тянется к своим естественным цветам. Но, к сожалению, влияние родных, друзей и подруг, а также новых направлений в моде, часто вынуждает нас делать неверный выбор. Результат - долгие колебания при выборе одежды, негармонично подобранный по цвету и стилю гардероб, несочетающиеся между собой вещи. Цвет также сильно влияет и на наше настроение, и на наши достижения. Желательно "свои" оттенки подбирать не только в одежде, но и в интерьере. Окружить себя "чужими" цветами и оттенками, - все равно, что находиться в компании неприятных людей, которые Тебя сильно подавляют. У каждого есть индивидуальная цветовая гамма и только одна на всю жизнь: Весна, Лето, Осень, Зима. Найти свои краски непросто (особенно, если прежде Тебя окружали преимущественно "чужие" цвета), но это наиболее легкий путь к определению Твоего персонального стиля, к душевному здоровью и успеху в жизни.
Важно в определении своего цвета найти нужный оттенок. Взять, к примеру, коричневый. Он подходит всем, но какой коричневый? Оттенков множество. И не стоит их путать - испортишь всю красоту природного колорита. Яркий холодный черно-коричневый – для Зимы, теплые желто-коричневые землянистые оттенки – для Осени, светлый золотисто-коричневый – для Весны и прохладный розово-коричневый – для Лета.
Попробуй, и результаты Тебя приятно удивят. Ведь Твои цвета - это так естественно, так прекрасно. Это Твой стиль, Твое настроение, Твоя жизнь.
Цвета Твоей палитры "оживят" лицо, подчеркнут индивидуальность и отлично дополнят природные оттенки
Во-первых, выбери время, на тестирование у Тебя может уйти целый день!
Выражения типа "древнеримские (египетские, афинские...) модницы" весьма часто встречаются в научно-популярных очерках об античности. И глупо было бы отрицать, что с момента грехопадения Адама у людей всегда существовали твердые представления о том, как именно человек должен одеваться. Но означает ли это, что феномен моды возник одновременно с феноменом культуры? Ни в коем случае..
Дело не в том, что, скажем, в Древнем Египте один и тот же покрой одежды (общий для обоих полов!) не менялся полторы тысячи лет – в конце концов, люди во все времена умели отличать «правильно» одетого человека от одетого «неправильно» по мельчайшим штрихам, незаметным глазу позднейшего исследователя. Кроме того, и в давние эпохи случалось, что концепция одежды сменялась моментально, например, в результате завоевания. Однако все это нельзя назвать сменой моды: ведь не существовало людей, которые бы выдумывали одежду.
В середине XIV века в Европе начинается «платяная революция». Отчасти она вызвана общим усложнением городской жизни, а отчасти – совершенствованием и специализацией портняжного дела, разделившегося к этому времени на дюжину различных профессий. Можно заметить, как мужской и женский костюм принимаются дрейфовать друг от друга (это, кстати, запускает и процесс «сексуализации» одежды), а в покрое наступают быстрые и все более произвольные изменения. В XVI столетии культура сама осознает наличие нового явления: одежда меняется быстрее, чем снашивается. Тогда-то возникает само слово «мода», причем в крайне пренебрежительном смысле: над ней издеваются, сетуют на ее непрактичность и бессмысленную переменчивость. Но главный цивилизационный переворот уже свершился: на смену канону, ищущему себе обоснование в прошлом, пришла мода, сознательно ориентирующаяся на «новизну». Однако и в эту эпоху новые идеи в области дизайна одежды принадлежат ее заказчикам (между прочим, как ни странно это нам покажется, заказчицы проявляли тогда меньше изобретательности!), портной же остается лишь исполнителем чужой воли.
В течение XVII–XVIII веков постепенно стирались социальные различия в одежде, но тем большее значение приобретали индивидуальные вкусы и «модность». По мере того как эмблемы статуса теряли свою эмблематичность, они немедленно начинали обыгрываться модой. В эту же эпоху происходит интернационализация одежды. Конечно, Италия, а позже Испания некогда тоже влияли на европейский костюм, однако лишь Франция утвердила свою гегемонию с полной безоговорочностью. Мода осознается обществом как мотор непрерывного круговорота вкуса. «Изменение моды – это подать, налагаемая индустрией бедных на тщеславие богатых», – заметил Николя де Шамфор. Можно ли говорить, что хотя бы к концу XVIII века слово «мода» приобрело то значение, которое оно имеет теперь? Нет!
Настоящей моды не бывает без дихотомии «от кутюр» и «прет-а-порте». Лишь в 1820-х годах, причем в Англии раньше, чем во Франции, возникает пошивочная промышленность. В качестве ответа на полную стандартизацию одежды появляется профессия «кутюрье» как художника, а не ремесленника. Лишь в XIX веке портной перехватывает инициативу у заказчика. Осенью 1857 года английский портной Чарльз-Фредерик Уорт открывает в Париже, в доме №7 по Рю де ла Пэ, первый в истории одежный салон, в котором сочетаются черты ателье, магазина и своеобразного театра. Именно ему принадлежит гениальная идея о том, что новые образцы платья должны демонстрироваться привлекательными барышнями. Кстати, лишь в XIX столетии женщина отняла у мужчины статус главного потребителя моды.
Выражения типа "древнеримские (египетские, афинские...) модницы" весьма часто встречаются в научно-популярных очерках об античности. И глупо было бы отрицать, что с момента грехопадения Адама у людей всегда существовали твердые представления о том, как именно человек должен одеваться. Но означает ли это, что феномен моды возник одновременно с феноменом культуры? Ни в коем случае..
Дело не в том, что, скажем, в Древнем Египте один и тот же покрой одежды (общий для обоих полов!) не менялся полторы тысячи лет – в конце концов, люди во все времена умели отличать «правильно» одетого человека от одетого «неправильно» по мельчайшим штрихам, незаметным глазу позднейшего исследователя. Кроме того, и в давние эпохи случалось, что концепция одежды сменялась моментально, например, в результате завоевания. Однако все это нельзя назвать сменой моды: ведь не существовало людей, которые бы выдумывали одежду.
В середине XIV века в Европе начинается «платяная революция». Отчасти она вызвана общим усложнением городской жизни, а отчасти – совершенствованием и специализацией портняжного дела, разделившегося к этому времени на дюжину различных профессий. Можно заметить, как мужской и женский костюм принимаются дрейфовать друг от друга (это, кстати, запускает и процесс «сексуализации» одежды), а в покрое наступают быстрые и все более произвольные изменения. В XVI столетии культура сама осознает наличие нового явления: одежда меняется быстрее, чем снашивается. Тогда-то возникает само слово «мода», причем в крайне пренебрежительном смысле: над ней издеваются, сетуют на ее непрактичность и бессмысленную переменчивость. Но главный цивилизационный переворот уже свершился: на смену канону, ищущему себе обоснование в прошлом, пришла мода, сознательно ориентирующаяся на «новизну». Однако и в эту эпоху новые идеи в области дизайна одежды принадлежат ее заказчикам (между прочим, как ни странно это нам покажется, заказчицы проявляли тогда меньше изобретательности!), портной же остается лишь исполнителем чужой воли.
В течение XVII–XVIII веков постепенно стирались социальные различия в одежде, но тем большее значение приобретали индивидуальные вкусы и «модность». По мере того как эмблемы статуса теряли свою эмблематичность, они немедленно начинали обыгрываться модой. В эту же эпоху происходит интернационализация одежды. Конечно, Италия, а позже Испания некогда тоже влияли на европейский костюм, однако лишь Франция утвердила свою гегемонию с полной безоговорочностью. Мода осознается обществом как мотор непрерывного круговорота вкуса. «Изменение моды – это подать, налагаемая индустрией бедных на тщеславие богатых», – заметил Николя де Шамфор. Можно ли говорить, что хотя бы к концу XVIII века слово «мода» приобрело то значение, которое оно имеет теперь? Нет!
Настоящей моды не бывает без дихотомии «от кутюр» и «прет-а-порте». Лишь в 1820-х годах, причем в Англии раньше, чем во Франции, возникает пошивочная промышленность. В качестве ответа на полную стандартизацию одежды появляется профессия «кутюрье» как художника, а не ремесленника. Лишь в XIX веке портной перехватывает инициативу у заказчика. Осенью 1857 года английский портной Чарльз-Фредерик Уорт открывает в Париже, в доме №7 по Рю де ла Пэ, первый в истории одежный салон, в котором сочетаются черты ателье, магазина и своеобразного театра. Именно ему принадлежит гениальная идея о том, что новые образцы платья должны демонстрироваться привлекательными барышнями. Кстати, лишь в XIX столетии женщина отняла у мужчины статус главного потребителя моды.
Зачем люди прокалывают у себя на теле всевозможные места, порой вовсе для этого не подходящие, и цепляют туда сережки, булавки, цепочки и тому подобные изделия – тайна великая есть. Зато доподлинно известно, что пришло к нам это явление, именуемое пирсингом, из самых древних культур...
В Европе пирсинг считался варварским обычаем вплоть до Елизаветинской эры. Во времена Великих географических открытий моряки все-таки «научились» у туземных племен прокалывать мочку уха, поскольку считали, что таким образом улучшается зрение (современные методы иглоукалывания поддерживают эту идею).
Следующий расцвет пирсинга произошел в Викторианскую эпоху – время элегантности и куртуазности. В моду вошел «интимный» его вариант, который преследовал довольно целомудренную цель: сохранял верность женщин и предотвращал мужские гениталии от напряжения в слишком узких и обтягивающих брюках, модных в то время.
Прокол мочки уха оставался актуальным во все времена, а с появлением культуры хиппи и рок-н-ролла он и вовсе стал традиционным. Теперь пирсинг – модная тенденция всего поп-арта. Его можно увидеть на спортсменах, киноактерах и даже некоторых политиках.
Но наибольшую популярность пирсинг получил, разумеется, среди молодежи. Так, в США более половины студентов уже прокололи ту или иную часть тела, при этом, правда, совершенно не задумываясь о последствиях. А они, как свидетельствует статистика, бывают довольно печальными.
В тех же Штатах каждый пятый «проколовшийся» имел разного рода медицинские осложнения. Среди них инфекционные воспаления, кровотечения, незаживающие раны и т.д. Хотя все это только «издержки производства», которые вполне поддаются лечению. А вот если при пирсинге нарушена технология стерилизации, тогда невинная дырочка грозит такими заболеваниями как ВИЧ, гепатит С или заражение крови! Так что, прежде чем отдать себя в руки специалиста по пирсингу, нужно убедиться, что он на самом деле таковым является, а также внимательно приглядеться к помещению, где будет происходить процедура.
Современная мода и строгий деловой этикет - как совместить приятное с необходимым? Советует имиджмейкер.
В чем суть делового имиджа? Собранность, пунктуальность, строгость, консерватизм, стабильность, благополучие, достаток, сдержанность, оперативность, аккуратность. Согласитесь, эти качества присущи каждой деловой женщине, вне зависимости от области бизнеса, в которой она работает. Каким же образом перевести эти понятия на язык одежды, аксессуаров, прически и других элементов внешности?
Давайте начнем с прически. В ней мы будем стремиться воплотить идею делового имиджа тем, что сделаем ее гладкой, собранной, почти монолитной, чтобы произвести впечатление стабильности. Цвет волос также должен быть спокойным, приближенным к натуральному. Если мы будем применять окрашивание волос, то должны исключить яркие, креативные цвета или их сочетание. Распущенные прямые или вьющиеся волосы больше будут задавать направление романтического имиджа и для деловой женщины не будут идеальными. Желательно также исключить тонкое мелирование, так как оно создает впечатление раздробленного и хрупкости образа. При укладке волос обратите внимание на то, что пряди, направленные внутрь, будут создавать впечатление цельности, надежности, уверенности в себе. Если же мы уложим волосы кончиками вверх, то мгновенно в облике появляется некоторая легкомысленность и ветреность.
В период средневековья развивалась архитектура, скульптура, живопись. Сильную роль в этом играла церковь. Она действовала здесь как универсальная сила, накладываясь на специфику национальной культуры; это находило выражение в особенности архитектурных форм и приемах изобразительного искусства, орнамента, сочетания цветовой гаммы и пр. В архитектуре Византии преобладал тип крестово- купольного храма. Стены украшались мозаиками. В церковной живописи реалистические традиции сочетались с элементами условности и все большей стилизацией.
Великолепный образец архитектуры Византии- храм Св.Софии в Константинополе,стены которого украшены замечательной разноцветной мозаикой, а крышу завершает огромный купол. Для Западной Европы 5в. была характерна роскошь в архитектуре и скульптуре, отход от реалистического изображения в сторону стилизации и формализма. Пластические искусства все более удаляются от присущей античности реалистической направленности, преобретая отвлеченный и символический характер.
При Карле Великом во Франции было развернуто грандиозное строительство. По своей архитектуре здания напоминали византийские постройки. Строительная техника была несовершенна, и большинство зданий, построенных из дерева, погибло. Непрерывно строились феодальные замки и церковные соборы. Церковное строительство особенно усилилось около 1000г. в связи с ожидавшимся, согласно учению церкви,концом света. С этого времени для возведения построек в Западной Европе широко использовали камень. Тяжесть каменных сводов могли выдержать только толстые, мощные стены с немногочисленными и узкими окнами. Этот стиль получил название романского. Примером романской архитектуры является Собор Нотр- Дам в Пуатье, соборы в Тулузе, Орсивале, Велезе, Арле во Франции; соборы в Оксфорде, Винчестере, Нориче в Англии, в Станагере (Норвегия), в Лунде (Швеция).
Для скульптур романтического стиля характерен полный отказ от реализма в трактовке природы и человеческого тела. Исключительно церковная по содержанию была и настенная живопись- плоскостная, отрицающая трехмерность фигур и перспективу. К12в. относится появление нового архитектурного стиля - готики. Первые соборы, построенные в готическом стиле в Северной Франции, датируется 2-ой половиной 12в. Характерная черта готики - устремление зданий ввысь. В них появляются огромные окна, украшенные яркими разноцветными стеклами - витражами. Великолепные готические соборы в Париже, Шартре, Бурже, Бове.
Шедевром готического стиля является Вестминстерское аббатство в Лондоне. В 14в. готический стиль получил дальнейшееразвитие. Это была «пламенеющая готика»- здания украшались тончайшей резьбой по камню - каменным кружевом. В такой технике выполнялись соборы в Корби, Аласоне, Алебере, Конше (Фр.). В Англии также был расцвет декоративной готики, отличающейся устремлением ввысь и большой стройностью зданий. Тогда же намечается переход к «перпендикулярному стилю» в готике. Меняются скульптура и живопись. Человеческие фигуры становятся более реалистичными; богаче становится гамма красок. Все отчетливее сказывается наследие античности. 13-14в.в.- непосредственные предшественники культуры Возрождения.
Термин "романский стиль" условен и возник в первой половине 19 века, когда была обнаружена связь средневековой архитектуры с римской. В 11 12 веках церковь достигла вершины могущества. Ее влияние на духовную жизнь того времени было безгранично. Церковь была глывным заказчиком произведений искусства. И в проповедях церкви и в сознании народа жила идея греховности мира, исполненного зла, соблазнов, подвласного воздействию страшных и таинственных сил. На этой основе в романском искусстве Западной Европы возник этический и эстетический идеал, противоположный античному искусству. Превосходство духовного над телесным выражалось в контрасте неистовой духовной экспресии и внешнего уродства облика. Сцены страшного суда и апокалипсиса - ведущий сюжет в оформлении церквей, скульптуры и рельефов. Ведущим видом искусства в средние века была архитектура. Церковная романская архитектура опиралась на достижения каролинкского периода и развивалась под сильным воздействием в зависимости от местных условий от античного или византийского или арабского искуства.
Лауреатом премии Прицкера за 2006 год объявлен бразильский архитектор Пауло Мендес да Рока. 78-летний да Рока — второй бразилец, удостоенный этой самой престижной для архитекторов профессиональной награды, которую спонсирует семья владельцев гостиничной сети Hyatt.
Его предшественником в 1988 году был Оскар Нимейер — надо признать, гораздо более известный в мире земляк да Рока. Может быть, поэтому самым важным для себя Мендес да Рока счел даже не факт награждения, но факт признания, поскольку архитектура в его понимании — это воплощение коммуникации, и он, как оказалось, изъясняется на вполне понятном миру «языке».
Премия, которую да Рока официально получит в следующем месяце в Стамбуле, отмечает его почти 60-летний опыт и созданные им здания, среди которых — как жилые дома, так и музеи, спортивные арены и другие общественные объекты. Практически все они построены в Бразилии. Считается, что да Рока никогда не боялся рисковать — его смелые, очень современные проекты часто выполнены всего из нескольких простых материалов, например, бетона и стали, и иногда он оказывался способен даже существенно расширить возможности доступных ему строительных ресурсов. Это было важно хотя бы потому, что Бразилия никогда не числилась в авангарде мировых строительных технологий, и особенно в 1950-е, когда да Рока начинал свою карьеру.
Среди самых известных работ Мендеса да Рока — музей скульптуры и площадь Патриарха в Сан-Паулу. Теперь он занят генеральным планом для университета Виго в испанской Галисии. В 2000 году Пауло Мендес да Рока был награжден премией фонда Миса ван дер Роэ за реконструкцию бразильской пинакотеки. Эта премия учреждена в 1998 году в Барселоне и присуждается раз в два года за здание, построенное в Латинской Америке. Единственный приз составляет 50.000 евро. Через месяц в Стамбуле да Рока получит $100.000 и бронзовый медальон Прицкеровского лауреата.
Жаль, но чудес не бывает даже в Китае. Проект олимпийского стадиона в Пекине от швейцарцев Херцога и де Мерона был фантастичен на бумаге и компьютерных экранах, а когда его начали строить на земле, стало понятно, что делают это совершенно обычным, вполне человеческим способом. Тем не менее, размах строительства в Поднебесной поражает воображение — теперь там ежегодно появляется ровно половина всех новых зданий мира. Но в человеческом исполнении всякое чудо имеет прозаическую изнанку.
Совсем недавно в Китае начали общенациональную кампанию за искоренение взяточничества в строительной отрасли. Обещано, что все выявленные в ходе проверки негативные моменты будут предаваться широкой огласке, попавшиеся отданы под суд без разбора чинов. Кроме того, китайское правительство клянется сделать процесс лицензирования совершенно прозрачным, а действующие сегодня на рынке строительные организации призывает поддержать начатую кампанию и заняться самопроверками.
В архитектуре конца XIX века зарождается новое направление, который полностью отвергает царившую тогда эклектику историзма, смешения разных художественных стилей прошлого. Эстетика модерна проповедует целостное мироощущение, основанное на синтезе, гармоничном сочетании искусств, создающих образное и композиционное единство пространства. Надо ли говорить, что одним из первых объектов нового эксперимента становится интерьер, в том числе жилой. И если архитекторы и художники модерна имели безграничные возможности для творчества, то люди без профессиональных навыков, желающие самостоятельно обустроить комнаты, нуждались в наглядных образцах и конкретных рекомендациях. Модные интерьеры и их описания все чаще стали появляться в журналах начала XX века. Выходили и отдельные издания, главным образом переводные. Одним из таких пособий стала книга немецкого архитектора М. Грэфа «Меблировка комнат в стиле модерн. Кабинеты, столовые, гостиные, салоны, приемные, жилые комнаты, спальни, передние и кухни», выпущенная в Санкт-Петербурге в 1913 году.
Грэф предлагал читателю подробнейшее описание обстановки комнат разного назначения и даже отдельных образцов мебели, соответствовавших тогдашней моде, давал точные указания, как расставлять предметы в пространстве помещения, изображая для наглядности все предлагаемые варианты меблировки на рисунках. Быть может, эти рецепты начала XX века окажутся кому-то полезными и сегодня.
Столовая
Общим принципом меблировки была особая расстановка предметов, продиктованная композиционно усложненным пространством интерьеров: мебель все более отрывается от стен, а сама расстановка отличается свободой, подчиненной лишь цели создания максимального комфорта. Мебель и предметы декора подбираются соответственно статусу и финансовым возможностям хозяина.
Библиотечный шкаф из кабинета персоны среднего класса, например, может выглядеть так: «...состоящий из трех частей, с двумя боковыми отделениями рядом со средней стеклянной дверцей. Сплошные деревянные дверцы представляют во всю вышину одно целое и снабжены только узким наклеенным кантом. Шестиугольная геометрическая деревянная инкрустация в верхней части двери производит хорошее впечатление, которое еще усиливается, если для этого употребляется дерево другой породы, более резко выделяющееся на большой поверхности. Свилеватые треугольники инкрустации соединяются в центре. Внизу через весь шкаф тянется поперечный фриз из более светлого дерева с резными орнаментами; он ограничивает среднюю дверцу, стеклянная часть которой разделена перекладинами на девять граненных стекол. Средняя стеклянная дверь возвышается над боковыми отделениями шкафа; с обеих сторон на одинаковой высоте находятся ниши с задними стенками, открытыми с боков. Расположенные по углам четырехгранные столбики снабжены капителями; под средней дверцей выделаны два выдвижных ящика, украшенные широкими изящными металлическими бляшками».*
В целом же интерьер кабинета планируется так, что все вещи внутри помещения согласуются друг с другом, составляя единый ансамбль: «Дверь в кабинете одностворчатая, с четырьмя филенками, двумя длинными и двумя маленькими стеклянными над ними; деревянные вверху украшены резьбой, стеклянные разделены на отдельные части перекладинами из желтой меди. Причем, дверь, как правило, серебристо-серого цвета, стены до верхнего пограничного бруска серые, фризы же белого цвета с темно-серым бордюром. Рядом с дверью, обычно, помещается простой книжный шкаф с двумя дверцами, которые имеют внизу длинные деревянные, а над ними маленькие граненные стеклянные филенки. Наверху, в ширину обеих дверец, помещается ниша, задняя стенка которой снабжена зеркалом. Перед диваном ставится круглый стол на трех ножках, с круглой царгой, соединяющей широкие плоские ножки. Ножки заканчиваются металлическими наконечниками с зубцами; украшением ему служит резьба на царге и верхних частях ножек».
Спальня
Непременным атрибутом кабинетного интерьера в стиле модерн является мягкая скамейка - диван. «Она очень удобна для сиденья, благодаря тому, что имеет низкую спинку одинаковой высоты с локотниками. Подушка спинки вплотную примыкает к сиденью, локотники делаются прорезанными и не имеют подушек, на ножках немножко суживающиеся металлические наконечники». Такой диван помещался в нише, которая состояла из двух длинных дощатых сторон, соединительной обтянутой рамы и двух полок. «Боковые стенки ниши прорезаны и снабжены брусочками; несколько ниже находится стеклянная филенка с выпуклой оправой и металлическими перекладинами. В верхнюю часть задней стенки между полками может быть вставлено зеркало. Материя обивки должна отличаться от обивки сиденья большей легкостью материала и более темным фоном с полками и решетками. Если обивка сиденья зеленовато-серебристо-серая, то стенки обтягиваются темно-серой материей с красными узорами. Дерево при этом используется аспидно-синего цвета».
Вслед за описанием обстановки и конкретных ее предметов М. Грэф предлагает конкретные рекомендации: «Для мебели годится темно-коричневый дуб, но с успехом можно пользоваться и другим материалом, а именно орешником, окрашенным или белым ильмом, начиная от более светлых оттенков и кончая бурыми тонами. Паркетные полы застланы коврами; сочетание красок для ковров должно быть в персидском вкусе или похожим на него; для пола же хороши светло-зеленоватые или коричневые тона».
Меблировка кабинета обязательно соответствует оформлению стен и потолка: «Стены одноцветные, матово-серые с красным, окаймлены широким фризом, он подразделен геометрическими фигурами на части, для украшения которых подходят листообразные мотивы соответственно раскрашенные. Верхняя часть стен поднимается сводами к потолку, который очень красив, когда по основному белому фону проходят мягкие линии в тонах фриза».
Кабинет с обстановкой попроще предполагает и более скромный антураж: «стены, начиная от пола, могут быть раскрашены под камень, по углам ограничены на подобие колонн, сверху снабжены широким фризом, перевитым волнистыми линиями и разделенным полосами на части. Для гармонии цветовых отношений удачно сочетаются темно-синие тона с аспидно-серым оттенком для дерева, желто-серая обивка мебели с чехлами оливкового цвета».
Декоративное убранство комнат определялось главным образом их назначением. Так, в обустройстве столовой для стен, потолков и пола применяли светлые тона. Серые тона мебели из недорогих пород дуба и сатинового дерева требовали определенного цвета стен, как правило, зеленовато-серых с мелким желтым рисунком. Обстановка столовой также подчинена строгому архитектурному плану: «Вдоль стен, у окна буфет, напротив него витрина, рядом с ней шкафик в виде тумбочки с бочоночком; против окон, посредине их, постамент и столик для цветов, а с боков банкетка и кресло». На большом ковре посреди столовой было принято ставить раздвижной стол и много стульев, а с какой-либо стороны от широкого входа - диван, с полками над ним, рядом с диваном поставец-сервант и стулья.
М. Грэф рекомендовал и особое оформление окон столовых комнат, например: сверху подвешен прямой ламбрикен с кистями по бокам; две узкие боковые одноцветные занавеси с нашитыми полосами украшают окно и скрывают оконную раму.
Главная святыня Российского флота — Кронштадтский Морской собор — возвышается над городом и морем. Его предназначение — служить Собором морской славы России, собирателем флотских реликвий, хранителем памяти о моряках, отдавших свои жизни во имя великого долга, во благо служения отчизне.
Это храм-памятник, храм-музей. Около тысячи имен офицеров, погибших с 1695 по 1913 годы, было помещено на памятные доски. Здесь представлены все без исключения — православные и иноверцы, герои Гангута и Цусимы, моряки всех эскадр и сражений. Были оставлены места и для новых героев — наших современников. Считалось, что Морской собор будет не только памятником, но и местом вечного поминовения. О славных подвигах и великих сражениях ныне напоминают только пустые коричневые прямоугольники в галереях-коридорах...
Архитектура храма отражает его высокий замысел: главный собор Российского флота имеет прообразом важнейшую святыню Православия — Святую Константинопольскую Софию. В самом начале работы над проектом Василий Антонович Косяков с братьями, один из которых принял участие в создании интерьеров Морского собора, посетил Стамбул, побывал в Айя-Софии — переделанной в мечеть православной святыне. Вместе с Косяковыми в поездке принял участие и художник Михаил Васильев, впоследствии расписывавший Морской собор.
Грандиозная идея и великолепное воплощение. Морской собор и в нынешнем своем виде поражает не только величием архитектурных форм, но и тончайшей проработкой и изяществом деталей: узорчатые решетки, изысканный орнамент майолики, словно светящаяся внутренним светом мозаика, тонкая резьба. Созданный Косяковым великолепный архитектурно-художественный ансамбль подчинил себе все пространство центральной площади Кронштадта и определил силуэт города. Этот храм — лучшее творение замечательного архитектора. Величием его фасада мы можем любоваться и сейчас. Однако великолепные, поражавшие богатством деталей интерьеры сохранились лишь частично и практически недоступны посетителю.
Особенность церковной утвари такова, что определить ее происхождение, то есть храм, для которого она создавалась, практически не возможно. Лишь во вкладных надписях иногда упоминается: «в церковь святого Георгия». Где этот храм — в крупном городе или в глубинке — неизвестно.
Фрагмент мозаики часовни центрального портала (лик св. княгини Ольги). 2005. Фото
Как правило, архитектор разрабатывал проект здания, по его эскизам или под его наблюдением создавались иконостас, киоты, заказывали или приобретали светильники. Но утварь — подсвечники, потиры, облачения, чаще всего, жертвовали богатые прихожане. Иногда причетники приобретали ее в церковных лавках в соответствии со своим вкусом и средствами. Поэтому даже предметы из крупных соборов часто не имеют ничего общего со стилистикой здания, не связаны ни с архитектурой, ни с убранством храма.
Иное дело — Морской собор Кронштадта. Художественная ценность его утвари определяется не только уровнем исполнения, но и стилевым единством с архитектурой и убранством храма.
Во время Великой Отечественной войны собор защищал Ленинград — в его куполе находился наблюдательный пункт, координирующий огонь артиллерии. Надпись в куполе собора сохранилась до наших дней. 2005. Фото
Заказ был почетный, работа ответственная: в Комитет по строительству собора входил сам морской министр, видные флотоводцы. Курировал строительство государь Николай Александрович, лично просматривавший и утверждавший чертежи. В процессе работы над собором Василий Косяков создал более тысячи красочных чертежей. Прекрасный рисовальщик, он сам исполнял эскизы орнаментов, варианты рисунков мозаичных вставок для иконостаса и киотов. Его чертежи сами по себе являются произведениями искусства. Они выполнены цветной тушью и акварелью. На каждом листе указан номер и почти везде — наименование чертежа. Шрифт использован очень характерный, стилизованный под старославянский. Было выполнено несколько комплектов чертежей с вариантами решений. В разработке проектов оформления интерьера принял участие младший брат Василия, Георгий, талантливый график, акварелист, в 1900 году закончивший Академию художеств, а уже в 1911 году получивший звание академика архитектуры.
Небольшая деревянная модель будущего собора была выполнена в столярных мастерских порта вольнонаемным мастеровым крестьянином Лифляндской губернии Александром Лезиком. Вместе с эскизным проектом 21 мая 1901 года она была представлена Государю. А. Лезик позднее изготовил деревянную резную шайку для закладки собора и выполнял столярные и резные работы для храма. У себя дома он вырезал деревянный бюст Императора Николая II.
Шедевром готического стиля является Вестминстерское аббатство в Лондоне. В 14в. готический стиль получил дальнейшееразвитие. Это была «пламенеющая готика»- здания 
